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Dieser Blogbeitrag wurde von Major Mixing geschrieben, einem der Partner von Bridger.

Hallo, hier ist Max vom professionellen Mixing- und Mastering-Studio Major Mixing, und heute werde ich dir zeigen, wie du dafür sorgst, dass deine Musik gut klingt. Ich werde dich vor den Fehlern warnen, die du um jeden Preis vermeiden solltest, und wir werden über die Gewohnheiten sprechen, die deinen Arbeitsplatz florieren lassen. Lies also unbedingt weiter, denn diese Tipps zur Musikproduktion musst du kennen.

Höre viel Musik und bilde dich weiter

Musik zu hören und populäre Hits zu analysieren, ist der beste Weg, sich als Komponist, Künstler oder Mixing- und Mastering-Engineer weiterzubilden. Es wird dir helfen, unabhängig davon, in welcher Produktionsphase du arbeiten möchtest.

Musik hören verbessert deine Produktionsfähigkeiten

Erfolgreiche Musiker haben meist eine riesige Plattensammlung. Gute Musikkomponisten, Toningenieure und Künstler haben eines gemeinsam: Sie haben eine Menge Musik gehört.

Schallplatten sind deine besten Lehrer. Wenn du sie aufmerksam und mit den Ohren eines Komponisten anhörst, verraten sie dir viele nützliche Tipps zur Musikproduktion, die du selbst anwenden kannst.

Durch das Zuhören lernst du, wie eine gute Begleitung entsteht, wie man Backing Vocals schön platziert und wie man Songs strukturiert.

Halte dich auch immer über moderne Trends auf dem Laufenden. Achte auf neue Features und Eigenheiten, die berühmte Künstler und Komponisten auf den Markt bringen. Untersuche die verschiedenen Klänge, die sie ihren Songs verleihen, und halte Ausschau nach Details, die du deinem eigenen Song hinzufügen könntest, um sicherzustellen, dass er die Aufmerksamkeit der Menschen erregt und niemals langweilig wird.

Lerne verschiedene Stile und Genres kennen

Berühmte Toningenieure sind Experten für verschiedene Stile und Genres und kennen sich in Musikstilen und -geschichte bestens aus.

Höre hin und beobachte, wie populäre Tracks aufgebaut sind, und mache dich mit den wichtigen Merkmalen jedes Stils und jedes Genres vertraut.

Studiere die Geschichte der Popmusik und höre dir alte Aufnahmen an; vergleiche sie mit moderneren und finde heraus, wo die Unterschiede liegen. Vergiss auch nicht, dich auf die Gemeinsamkeiten zu konzentrieren – auf die Dinge, die in jeder Ära beliebt und bekannt bleiben.

Wenn du das tust, wirst du verstehen, wie man frische Meisterwerke schafft, die zu neuen Hits werden und die Charts stürmen.

Musiktheorie ist nicht nur was für Nerds

Falls du es noch nicht getan hast, beschäftige dich mit Musiktheorie. Sie wird viele deiner Fragen zum Thema Produktion beantworten. Finde einen interessanten und umfassenden Kurs – du wirst überrascht sein, wie einfach es ist und wie viel klarer du die Musikproduktion siehst, wenn du die Grundlagen kennst.

Als Komponist musst du Tonarten, Akkorde und Harmonien verstehen. Wenn du die Musiktheorie beherrschst, wird dir das Komponieren von Musik viel leichter fallen.

Nutze dein Equipment wie ein Profi

Kenne deine DAW und die Plugins, die du verwendest, in- und auswendig. Lerne, wie sie funktionieren, und beherrsche all ihre verschiedenen Einstellungen.

Ein guter Komponist weiß genau, wie er den gewünschten Sound erzielt, ohne viel experimentieren zu müssen. Experimentieren ist toll zum Lernen, aber um Songs zu produzieren, musst du dein Wissen und deine Erfahrung nutzen.

Lerne verschiedene Musikstile kennen

Bilde dich in verschiedenen Musikstilen und -genres weiter. Selbst wenn du nur an einem Genre arbeitest, ist dieses Wissen nützlich, da du Elemente aus anderen Genres nutzen kannst, um deine Musik zu bereichern und ihr neue, unerwartete Details zu verleihen.

Plane dein Projekt klug

Vor der Aufnahme solltest du alles richtig geplant haben – alle Instrumental- und Gesangsparts sollten an der richtigen Stelle sein. Das ist entscheidend und erspart dir, später viele Fehler korrigieren zu müssen.

Das gesamte Arrangement sollte gut geplant und so organisiert sein, dass verschiedene Parts mit ähnlichen Frequenzen nicht zu nah beieinander liegen, da sie sich sonst gegenseitig maskieren. Beispielsweise sollten sich die Klaviernoten nicht mit den Gesangsnoten vermischen. Wenn alle Parts korrekt ausgeführt sind, wird das deine spätere Arbeit erheblich vereinfachen.

Wenn du also über deine Komposition nachdenkst, beginne mit einer sorgfältigen Planung und platziere alle Instrumente richtig. Vermeide von vornherein, dass Gitarren, Gesang, Klavier und andere Instrumente in deinem Song um Platz und Raum kämpfen müssen.

Plane, wie du deine hohen und tiefen Frequenzen schön und ohne Konflikte ausfüllen wirst.

Nutze leise Sounds und kreative Elemente im Hintergrund

Mach deine Komposition interessant. Sie sollte für den Hörer ein wenig unvorhersehbar sein, komplex genug, um das Gehirn zu fordern und die Aufmerksamkeit zu fesseln. Wenn es nur Gesang und eine Standardbegleitung ist, die genau so klingt, wie man es schon hundertmal gehört hat, und wenn sich dieselbe Melodie ohne kreative Übergänge immer wiederholt, wird niemand darauf achten.  

Arbeite an den Details

Versuche, kreative Elemente in den Hintergrund einzubauen, und achte nicht nur auf die Hauptmelodie und die dominanten Spuren, sondern auch auf diese dekorativen Hintergrundelemente. Denke an die Dinge, die im Hintergrund ablaufen – vielleicht einige leise Zusatzgeräusche, eine kurze Melodie, die von einem anderen Instrument gespielt wird, oder einige kreative Effekte.

Detailreiche Dinge wirken auf das menschliche Auge immer interessanter und klingen auch für das menschliche Ohr faszinierender. Detailreiche Kompositionen zeigen, dass der Urheber sich bei der Erstellung Gedanken und Mühe gemacht hat, und interessante Details wecken die natürliche Neugier des Verstandes und fesseln seine Aufmerksamkeit.

Erstelle eine gute Songstruktur

Es spricht auch für dich, wenn die Struktur des Songs, den du komponierst, unvorhersehbar und innovativ ist. Überrasche den Hörer. Gestalte die Struktur deines Songs interessant und kreativ, dann wird sich das Publikum daran erinnern.

Kopieren und verbessern für eine herausragende Musikproduktion

Akkordfolgen, Songideen und Musikstile können nicht urheberrechtlich geschützt werden. Es ist nichts verwerfliches daran, sich von seinen Lieblingssongs, Chartstürmern und genialen Kompositionen der Vergangenheit oder den neuesten Hits inspirieren zu lassen.

Zerstückele sie, studiere ihre Akkordfolgen, verstehe, wie der instrumentale Part aufgebaut ist und wie der Song strukturiert ist.

Die 3 Arten von Innovation

Es gibt drei Hauptwege, um ein innovatives Produkt zu schaffen.

1. Der erste Ansatz besteht darin, das beste Produkt auf dem Markt zu finden und es zu verbessern. Nimm also die Songs, die dir gefallen, nimm sie auseinander, studiere sie – wie sie gemacht sind, wie sie aufgebaut sind – und verbessere sie, indem du deine eigene Komposition auf ihnen aufbaust, sie aber besser machst.

1. Die zweite Methode der Innovation besteht darin, etwas Neues innerhalb eines bestehenden Stils oder Genres zu schaffen. Wenn du in deinem Lieblingsgenre authentisch und innovativ bist, kannst du deinen eigenen, persönlichen Stil kreieren, während du gleichzeitig innerhalb eines bestehenden Trends bleibst.

1. Der dritte kreative Ansatz besteht darin, die Branche zu revolutionieren. Wenn du etwas völlig Neues schaffen kannst, das wirklich heraussticht, könnte das ein riesiger Erfolg werden. Es könnte sogar einen eigenen Genre-Namen verdienen und zur Legende werden. Das passiert sehr selten, aber wer weiß? Vielleicht schaffst du es ja.

Hier gibt es jedoch eine Falle, in die du tappen kannst. Wenn du dir deine eigene Musik lange genug anhörst, kannst du dich so sehr an sie gewöhnen, dass du am Ende denkst, es sei das beste und revolutionärste Werk aller Zeiten – was sich als reine Illusion herausstellen kann. Dein Gehirn spielt dir hierbei womöglich einen Streich namens „Demo-itis“.

Sei dir bewusst, dass dein „geniales“ Werk sehr sorgfältig überprüft werden muss. Studiere Referenztracks, konsultiere Profis und kalibriere dein Gehör, indem du dir die neuesten Mixe in höchster Qualität anhörst. Wir werden später in diesem Artikel noch genauer darauf eingehen, wenn wir über die Verwendung von Referenztracks sprechen.

Gewohnheiten, die dir viel Zeit sparen werden

Du sparst dir tonnenweise Zeit, wenn deine Projekte, Spuren, Sounds und Samples gut organisiert sind. Wenn du dir diese Gewohnheit aneignest, wirst du feststellen, dass deine Produktionsarbeit viel einfacher und weniger zeitaufwendig ist.

Benenne und färbe alles

Benenne alles so, dass dir allein der Name sagt, um welchen Sound, welche Spur oder welches Sample es sich handelt.

Es ist fantastisch, wenn die Spuren und Busse in deinem Projekt klar benannt und entsprechend farbig markiert sind. Entwickle deinen eigenen Farbcode, damit du intuitiv siehst, was was in deinem Projekt ist, ohne überhaupt Beschriftungen lesen zu müssen.

Du und die Personen, denen du deine Arbeiten zum Mischen schickst, sollten alles in deinem Projekt leicht erkennen und verstehen können.

Sichere deine Arbeit

Speichere deine alten Projekte in der Cloud oder auf deiner persönlichen Festplatte und erstelle Backups von den Dingen, an denen du gerade arbeitest. Behalte das Projekt, an dem du arbeitest, niemals ausschließlich auf deinem Laptop.

Laptops können unerwartet abstürzen; selbst gute Rechner sind vor versehentlichen Stürzen oder verschüttetem heißem Kaffee nicht sicher. Und du möchtest sicher keinen Teil deiner Arbeit wegen einer Fehlfunktion verlieren. Gewöhne dir einfach an, eine Kopie von wichtigen Arbeiten anzufertigen.

Qualität ist alles in der Musikproduktion

Der Wettbewerb in der Branche ist heute verrückt. Niemand kann auch nur im Traum daran denken, seine Popularität mit etwas anderem als erstklassiger und hochprofessioneller Musik zu steigern.

Das Gesetz der Fehler

Eines der Hauptgesetze beim Komponieren von Qualitätsmusik betrifft Fehler: Fehler vergrößern sich, wenn sie im nächsten Schritt der Musikproduktion fortgeführt werden. Es ist also besser, jeden Fehler genau in dem Schritt zu korrigieren, in dem er zuerst auftritt.

Das bedeutet, dass du Aufnahmefehler bei der Aufnahme und Mischfehler beim Mischen korrigieren solltest.

Wenn ein verwendeter Sound von schlechter Qualität ist, solltest du einen Schritt zurückgehen und einen besseren Sound erstellen, anstatt zu versuchen, ihn mit Effekten zu verbessern. Nimm schlechte Parts noch einmal in besserer Tonqualität auf.

Wenn du deinen Song bereits masterst und dir dabei Mischfehler auffallen, gehe einfach zurück zum Mischen, um sie zu korrigieren.

Nimm in hoher Qualität auf

Alles sollte in höchster Qualität, sorgfältig und durchdacht geschehen. Die Aufnahme muss fantastisch klingen. Wähle professionelle Studiomikrofone. Schlechte Aufnahmen lassen sich durch Abmischen nicht korrigieren.

Lass die Aufnahme niemals übersteuern – nicht ein einziges Mal. Halte die Spitzenwerte bei maximal -6 dB. Der moderne Rauschabstand (NSR) ist recht hoch, sodass du genug Spielraum hast und nicht zu laut aufnehmen musst, um ein Übersteuern zu riskieren.

Verwende die besten Sounds

Achte schon vor dem Mischen, also bereits bei der Auswahl deiner Sounds, darauf, dass sie großartig sind. Ein Sound muss von Anfang an zu mindestens 80 % gut für dein Projekt sein. Wenn er nicht richtig klingt, suche nach einem besseren. Versuche niemals, an der Soundqualität zu sparen.

EQ und Kompression sollten nicht in der Hoffnung eingesetzt werden, einen schlechten Sound wie durch ein Wunder gut zu machen. Sie werden nur verwendet, um etwas leicht hervorzuheben, um kleine Verbesserungen vorzunehmen.

Die Musikindustrie von heute respektiert nur die besten Produkte, diejenigen, die in höchster Qualität aufgenommen und professionell gemischt und gemastert wurden. Wenn du also auch nur ein bisschen populär werden willst, musst du der Musikqualität oberste Priorität einräumen.

Warum sind Referenztracks für Musikkomponisten so wichtig?

Man kann die Bedeutung der Verwendung von Referenztracks in der Musikproduktion gar nicht hoch genug einschätzen. In jeder Phase, von der Komposition bis hin zum Mixing und Mastering, sind Referenztracks von entscheidender Bedeutung.

Demo-itis

Wenn du das Gefühl hast, dass deine Musik so großartig ist, dass sie mit nichts zu vergleichen ist, und du keine Referenztracks für deinen Sound findest, weil er so herausragend ist, ist das kein gutes Zeichen. Das kann einfach nicht stimmen. Es bedeutet lediglich, dass du dich so sehr an deinen Track gewöhnt hast, dass deine Ohren dich belügen – und das wird nicht zu deinem Vorteil sein.

Die menschliche Wahrnehmung von Musik funktioniert auf eine Weise, die uns austricksen kann. Wenn wir einen bestimmten Song oft hören, gewöhnen wir uns an ihn und können ihn nicht mehr objektiv beurteilen. Am Ende glauben wir, dass die Art und Weise, wie der Song klingt, die beste und einzig mögliche ist. Musiker nennen dieses Phänomen „Demo-itis“, weil es meist dazu führt, dass sie ihre Demoversionen mehr lieben als den professionell aufgenommenen, gemischten und gemasterten Song.

Sei dir also dieser Gefahr bewusst und vermeide es, dir deine unfertige Arbeit zu oft anzuhören.

Während des gesamten Produktionsprozesses solltest du häufig Pausen einlegen, Referenztracks anhören und dich beim Komponieren deiner Musik an diese Referenzen halten.

Wie man Referenztracks auswählt

Du musst dich nicht für einen einzigen Referenzsong entscheiden, es können mehrere sein. Es kann einen geben, um zu zeigen, wie deine Drums klingen sollen, einen für die Gitarre, einen für den Gesang und so weiter.

Deine Referenztracks müssen aktuelle Hits sein. Sie müssen zumindest ein wenig populär sein und in den letzten Jahren entstanden sein. Wenn du willst, dass deine Musik Erfolg hat, muss sie der heutigen Qualität entsprechen und nicht älteren Standards.

Nimm dir die Zeit, die Songs zu finden, nach denen du klingen möchtest. Das ist ein entscheidender Teil deiner Arbeit als Komponist.

Höre dir deinen Mix auf allen Geräten an

Diese Produktionstipps sind wichtig, wenn du selbst mischst und masterst. Es ist toll, wenn du ein gutes Studio und professionelle Monitore hast, oder zumindest professionelle Kopfhörer zum Mischen. Dein Publikum und deine Fans hören sich Songs jedoch nicht nur über Studio-Equipment an, und sie werden deine Musik nicht genau mit dem Equipment hören, das du benutzt.

Wenn du die Mixing- und Mastering-Schritte selbst durchführst, ist es daher unerlässlich, dass deine Musik auf jedem Gerät gut klingt.

Höre dir deine Songs im Auto, über Heimanlagen, Laptop-Lautsprecher und andere Arten von Equipment an. Auf diese Weise kannst du aus eventuellen Fehlern lernen und dir bewusst machen, worauf du achten musst. Denn du möchtest, dass deine Songs auf allen Geräten gut klingen: von Stadionlautsprechern bis hin zu billigen Kopfhörern.

Beim Komponieren von Musik solltest du eine mittlere Lautstärke verwenden – nicht zu laut –, da du sonst deinen Ohren schaden könntest. Hin und wieder ist es jedoch gut, die Lautstärke aufzudrehen, um zu überprüfen, wie der Song klingt, wenn er laut ist.

Das wahrgenommene Gleichgewicht zwischen Bässen und höheren Klängen ändert sich, wenn du den Song lauter machst, und dessen musst du dir bewusst sein. Überprüfe, wie dein Song klingt, wenn er leise und wenn er laut ist, damit du die richtigen Produktionsentscheidungen treffen kannst.

Dein Studio muss nicht superteuer sein

Strebe zuerst nach Wissen und Erfahrung. Ohne diese wird dir teures Equipment nicht viel nützen. Wenn du jedoch gut genug im Komponieren bist, sind ein leistungsstarker Laptop, eine gute Soundkarte, ein anständiges Studiomikrofon, hochwertige Kopfhörer und ein schallisolierter Raum alles, was du brauchst. Es macht keinen Sinn, all den superteuren Sachen hinterherzuweilen.

Nutze für die Vorbereitung deines Raumes Akustikpaneele und Bassfallen. Du brauchst auch Studiomonitore, um deine Musik anzuhören, wenn du sie selbst mischen und mastern willst.

Sei super produktiv

Wenn du in diesem Bereich Erfolg haben willst, musst du viel produzieren. Außerdem lernt und beherrscht man seine Fähigkeiten am besten durch Übung.

Erstelle einen Plan, was du produzieren willst, und halte dich daran. Setze dir Fristen. Setze dir Ziele und verfolge sie.

Wenn du ein Künstler bist, ist Produktivität entscheidend für deinen Erfolg und deine Popularität. Auch als Komponist musst du viel arbeiten, um deine Karriere voranzutreiben.

Wenn du produzierst, lernst du dazwischen. Ein Musiker wird keine Höhen erreichen, wenn er nicht bereit ist, Ergebnisse zu erzielen und jeden Tag Zeit und Mühe in die Arbeit an Projekten zu stecken.

Der kluge Musikkomponist hält die Waage zwischen Arbeit und Ruhe

Um eine wirklich hohe Produktivität zu erreichen, muss ein Musikkomponist einen gesunden Lebensstil führen und ein gutes Gleichgewicht zwischen Arbeit und Freizeit wahren.

Arbeite nicht mehr als acht Stunden am Tag und mache oft Pausen; gönne deinen Ohren etwas Ruhe. Halte auch die Lautstärke niedrig, um die Gesundheit deiner Ohren zu schützen. Spiele deine Songs nicht zu laut ab. Die Arbeitslautstärke sollte etwas lauter sein als ein normales menschliches Gespräch. Komponisten können mit schwerer Ohrenermüdung zu kämpfen haben, wenn sie diese einfachen Empfehlungen nicht befolgen.

Es gibt Studien, die belegen, dass das Hören von Musik eine hohe Gehirnaktivität erfordert. Dein Gehirn arbeitet noch mehr, wenn du versuchst, das Gehörte zu analysieren und Entscheidungen zu treffen. Wenn du also erstklassige Musik produzieren willst, musst du ganz klar in der Lage sein, klar zu denken.

Deshalb ist es für Musiker von Vorteil, einen gesunden Lebensstil zu führen und einen guten Schlafrhythmus einzuhalten. Vernachlässige die Bewegung nicht; gehe regelmäßig ins Fitnessstudio und ernähre dich gut. Das hilft, einen gesunden Körper und einen hochfunktionellen Geist zu erhalten.

Professionelle Zusammenarbeit ist der Schlüssel

Der Wunsch, alles selbst zu machen, von der Auswahl des ersten Sounds bis zum Mastering deines Projekts, ist völlig verständlich. Es gibt sogar das Sprichwort: „Wenn du willst, dass es gut gemacht wird, mach es selbst“, richtig? Aber bei der Musikproduktion funktioniert das nicht ganz so.

Man kann nicht in allem Spezialist sein

Ein Musiker oder Künstler kann nicht in allen Phasen der Produktion ein Spezialist sein. Vielleicht bist du in der Lage, qualitativ hochwertiges, professionelles Mischen abzuliefern, wenn du über langjährige Erfahrung im Mischen verfügst, aber vielleicht bist du nicht der beste Spezialist, wenn es darum geht, Musik zu schreiben oder sie aufzunehmen.

Vielleicht kannst du eine hervorragende Instrumentalbegleitung für Songs komponieren, bist aber kein Profi im Mischen und Masterverfahren. Vielleicht bist du ein großartiger Songwriter oder ein talentierter Künstler, aber ein mäßiger Komponist.

Siehst du, vielleicht bist du in einem Schritt der Musikproduktion ein Profi und sehr talentiert, aber dir fehlt die Erfahrung in anderen Schritten.

Arbeite mit Profis zusammen

Es ist immer besser, um Hilfe zu bitten, während man gleichzeitig Freunde findet und sein professionelles Netzwerk aufbaut. Bitte um eine professionelle Meinung, höre dir konstruktive Kritik und Feedback an und verbessere deine Arbeit.

Das Kennenlernen von Profis und das Netzwerken in der Musikbranche sind extrem wichtig – nicht nur, um dich zu verbessern. Sie können auch dazu führen, talentierte A-Player für eine Zusammenarbeit zu finden oder profitable Verträge und Deals abzuschließen. Networking ist definitiv gut für deine Karriere als Komponist.

Zögere also nicht, im Zweifelsfall um Hilfe zu bitten. Gib professionelles Mixing und Mastering oder Arrangement in Auftrag oder gehe in ein professionelles Studio, um deinen Song aufzunehmen.

Alle Schritte in deiner Musikproduktion müssen professionell und in höchster Qualität durchgeführt werden. Alles muss den höchsten Standards der Branche entsprechen. Arbeite mit Profis zusammen, dann wirst du in der Musikbranche Erfolg haben.